彼得·林德伯格拍摄的Amber Valletta，于1993年12月出版于Harper's Bazaar
9月3日，传奇时尚摄影师彼得·林德伯格（Peter Lindbergh）去世，享年74岁。他留下了一张张定格于自然状态下的图像，也许其中的模特并非完美和青春，但这种不经修饰的脸庞、不过分更改的图片反而有着震撼人心的力量。
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▲「 美是什么? 」
彼得·林德伯格掌镜2017倍耐力年历
“最美的女人，一定是忠于自己的。”被彼得·林德伯格拍过的人都不觉得他拍摄的是所谓好看的照片，而是真正属于自己的照片。每个模特在其镜头前都能呈现出最自然的模样。即便她们几乎素颜出镜、身上和脸上的瑕疵一览无余，但眼神中却流露出坚韧与自信的力量。
彼得·林德伯格掌镜2017倍耐力年历
人们害怕衰老，可谁能够永远不老、青春永驻？在拍尽世界上最美的女人之后，彼得·林德伯格却说20几岁不是女人最好的时候：“如果有人对你说你应该尽量看上去年轻一些，或者你脸上的皱纹很丑，应该想办法除皱——不要相信这样的话。那些自信的女性，她们会相信自己很美。”
安妮·诺格尔《Homage to Meatyard》，明胶银盐，1986年 © Anne Noggle Foundation
安妮·诺格尔《Mary》，明胶银盐，1981年 © Anne Noggle Foundation
其实艺术家们在创作过程中也并不逃避肉体衰老的话题。摄影师安妮·诺格尔（Anne Noggle）就曾经发表过自己对于衰老的看法：“如果我去整容，试图避开可见的衰老过程，那也只是徒劳无功的行为。”当然，此处并非反对整容，只是艺术家更强调外貌之下的美丽。
安妮·诺格尔往往充满尊重地接近被摄对象，甚至通过一系列方法去放大女性身上的皱纹。她还充满勇气地、用自拍的方式关注肉体的衰老，并以一种十分轻松的影像呈现出来，以此给其他女性精神鼓励。
柳美和《AI》，2003年，选自系列照《我的祖母》 © Miwa Yanagi
柳美和《Hyonee》，C-print、plexiglassand text panel，137×100cm，2007年，选自系列照《我的祖母》 © Miwa Yanagi
柳美和《Yuka》，Chromogenic print mounted on aluminum，2000年，选自系列照《我的祖母》© Miwa Yanagi
时光虽然会在人们的脸上留下痕迹，却并不一定是沧桑。日本艺术家柳美和（Miwa Yanagi）招募一些模特，通过合成技术制造出她们50年以后的样子。在其摄影作品《我的祖母》中，即便有的“衰老”女性形态乍看起来如同尸体，却蕴藏着关于生命绵绵不断的含义。在艺术家看来， 年龄不会限制人们追求自由的权利，人的 身体会衰老，但那颗豪放不羁、富有个性的心却永远年轻。
琳·比阿奇《Servitude II》，Silver gelatin bathed in gold，1998年
女性的身体的确有承载美丽的功能，除了担心衰老，很多女性还会因自己的身形太胖或太瘦而烦忧，她们难得对自己的外表满意。美国摄影家琳·比阿奇（Lynn Bianchi）通过拍摄肥满的女性身体挑战古典人体比例。对艺术家而言，美可以很多元，人们需要更加宽容的对于美的认知：肥胖与纤瘦一样重要。
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▲「 美即纯粹 」
彼得·林德伯格《Shell-Haus，Berlin》，1989年 © Peter Lindbergh
其实，彼得·林德伯格的所有作品都呈现出了一种纯粹、自然的美丽，这种纯粹的魅力不仅仅在其拍模特时出现。他不爱修图，因为过分处理过的图像追求呈现出一种理想状态，直到拿走模特本来的特征。
彼得·林德伯格《Wim Wenders’ office，Max-Taut Haus，Berlin》，1989年 © Peter Lindbergh
趋于同质化、千篇一律难道就是美吗？这样去定义美简直太糟糕了。很多时候，人们沉浸在被过度修饰的图像、被同化的美丽及虚化的世界中无法自拔，在被假象包围太久后，反而忘记了不加修饰的美是多么的真诚、勇敢、镇定自若。
伊莫金·坎宁安《Two Callas》，银盐印刷，32.4×24.1cm，1925年
伊莫金·坎宁安《玉兰花》，明胶银盐，23.8×30.8cm，1925年
美国艺术家、摄影评论家贞吉·哈特曼（Sadakichi Hartmann）曾在《直接摄影的诉求》（A Plea for Straight Photography）中提出：“依赖于你的相机和眼睛、你出色的鉴赏力及构图知识；同时考虑光色、阴影及线条构成的空间分割。耐心地等待着、直至画面中的影像达成它最完美的时刻。当一切都达成的时候，这张完美的底片只需要很少甚至不需要后期操作。”
保罗·卡普尼格罗《Surf and Eroded Rock，Cape Kiwanda，Oregon》，银盐印刷，19.3×24.3cm，1959年 © 2019 Paul Caponigro
哈特曼所提出的“未经修饰”不是反对任何形式的加工，也不是要求实景与照片完全相同。对照片进行后期加工是为了更好的影像品质而非制出各种累赘的效果。面对眼前事物所带来的感动，与其加上无谓的修饰使图片变得俗套化、形式化，不如直截了当地传递真实情感更具力量。
保罗·卡普尼格罗《Feathers》，银盐印刷，23.6×17.5cm，1964年
保罗·卡普尼格罗《Fungus，Ipswich，Massachusetts》，银盐印刷，33×25.3cm，1962年 © 2019 Paul Caponigro
因此上世纪30年代左右，美国出现了一批“直接摄影”（Straight Photography）摄影师，保罗·卡普尼格罗（Paul Caponigro）就是其中之一。除了干脆利落的拍摄外，他还选择黑白的方式进行拍摄。他认为黑白能够寄存事物背后那些眼睛所看不见的东西，似乎更具“灵性”。
彼得·林德伯格拍摄的Milla Jovovich，1998年 © Peter Lindbergh
而彼得·林德伯格也曾说：“我总能从黑白世界中看到比彩色世界里更多的真实。”因此，其黑白影像作品都具有震撼人心的力量。
每一位大师的离开都让人无比悲伤，鲜花会随着时间凋谢，但艺术家们的思想与作品却不会在人们心中凋零。
[编辑、文/高淑启]
[监制/齐超]
