Daniel Arsham，作为现今风靡全球的艺术家，在 6 月末于上海的昊美术馆举办了他在中国的首个展览，“现在在现”。同时，在即将到来的YOHOOD 2019 ，YOHO!集团邀请Daniel Arsham 作为大会合作艺术家，同时由Daniel Arsham Studio 带来主视觉及大会装置设计。在 Daniel Arsham 的加持之下， YOHOOD 2019 必定会给现场的观众带来新一轮的观感体验。
YOHO!Boy 已经是第二次造访 Daniel Arsham 工作室，而当再一次谈论颜色、最近的合作项目、以及今年 YOHOOD 2019 的主题“Youthquake”他又是怎样想的？答案就在下面的这段影片中。
对颜色的恐惧
曾在纪录片《Colorblind Artist: In Full Color》中就讲述了自己第一次看到颜色的体验，再次谈论到这个话题的时候，
当我第一次看到颜色的时候，我感觉很震撼，哪怕直到现在也还会有这种感觉，然而颜色真的有碍我的创作想法，基本上大众看到我的作品不会有很多颜色，而且这些颜色的饱和度都非常低，还是黑白为主，色彩极少。
第一次看到黑、白、灰以外的颜色就是从收到这副特殊的眼镜开始，毫无疑问在看到这么多颜色的时候，是震撼的。但随之而来的就是各种不习惯。
如果比别人少看到颜色是上天给我的礼（天）物（赋），我可以比其他人看到更单纯的色调，更能注意到物体的形态。使我能跟专注在我的创作之中。
1992年，安德鲁飓风筝袭美国佛州，造成17万人流离失所，而当时年仅12岁的DanielArsham因为躲在衣柜中所以躲过一劫。他看着住家附近的房屋因暴风而倾倒，玻璃碎片和杂物四散，感受到大自然的威力与人类的脆弱。这场飓风筝起许多物件，还有因为灾害而令到这个城市被破坏凌乱的画面深深烙印在他心里，“这几年回想起来，我的创作受到这段童年回忆的影响很大，灵感也多来自于此”。因此我们看到Daniel大部分的作品，都有非常明显的风格，像是被飓风洗礼过后残骸，但却散发着艺术美感。
▲2016 年，也因为有了对「颜色的恐惧」Daniel Arsham 的作品破天荒的有了颜色的出现，“Circa 2345”
整个国际大众流行文化圈的宠儿
在频繁地与Rimowa(日默瓦)、adidas(阿迪达斯)、KITH..等品牌，以及Pharrell Williams、Nas等着名音乐人进行合作创作项目。作为Dior(迪奥)艺术总监Kim Jones的好友，Daniel 也在近期与Dior(迪奥)合作创作了“未来文物”系列作品。对于许多艺术家来说，合作创作是禁忌：他们没有这样的能力、开放性，也没有这样的兴趣；但对于Daniel来说，合作创作是一种自然的倾向，意味着有趣的创作机会，以及宝贵的学习机会，从其他领域吸收经验及知识。
跟这些品牌合作，他们能触及的受众，以 Dior(迪奥) 为例吧，他们可能熟悉、或者不熟悉我的作品，他们可能在画廊或者美术馆看过我的作品，但更多人也许会通过这些品牌的场馆接触我的作品。
▲Daniel Arsham × adidas(阿迪达斯) 合作款系列
▲携手 KIM JONES 携手为 Dior(迪奥) 2020 春夏打造的男装秀
▲每间 KITH 的装横设计都由 Daniel 操刀设计
关于「考古」
在 2015 年迈阿密的 Locust Projects 画廊里，Daniel 就在画廊里挖了一个大洞，将各种老式手机、录音机等各种玩意埋在洞里；而回到今年昊美术馆，他直接把美术馆还原成一个真实的考古现场，还包括一个完整的研究分析实验室。
▲2015年Locust Projects项目
在过往的所有创作作品中，他破坏、腐蚀了我们日常生活物品：相机、手机…各种，而他将这种行为定义为「Future Relic」，包括近期与 Dior(迪奥) 打造的时钟、RIMOWA 手提箱等….
未来考古「Future Relic」是一个持续进行的项目，试图探索一种虚构的考古学。一般来说，考古学家都在研究过去的事物，根据这些事物编造出故事，编造出历史。所以我使用当代的物件，映射到未来，从而发明了一种考古学，虚构的考古学。
▲昊美术馆「考古」现场
这也解释了，为什么他会在昊美术馆里打造《挖掘现场 212》，在现场的考古语境中，观众可以看到日常生活物件：相机、手机…… 这些物件在这里看起来像是古代文物，事实上也是用火山灰和结晶体制作的；而相邻的实验室中的电脑也是非常古老的。因此，展览也提出了这个问题：我们是在过去，还是未来？我们在时间中的位置为何？所有作品都与人们理解时间概念的方式有关。
#Youthquake
在谈到今年 YOHOOD 主题 #Youthquake# 的时候，尽管他已经 38 岁了，但他还是觉得自己属于年轻的一派，对于他来说 Youthquake 代表了一种让年轻人主导的思想。
今年YOHOOD的主题是“Youthquake”，对你来说，“Youthquake”概念意味着什么？
我认为，“Youthquake”代表了一种让年轻人去主导的理想，一种关于世界、时尚、艺术及音乐的新观点。重新定义世界的意义及语境的总是年轻人们。尽管我已经38岁了，我还是觉得自己是属于年轻人的，因此我也不算是太落伍。我意识到，我总能和年轻人看待世界的方式产生共鸣。他们在接触世界的时候不带有任何成见，以有趣的、积极的方式进行误用处理，并重新定义未来。我认为这主题对于YOHOOD来说是非常有趣的。
YOHOOD 来自街头潮流服饰背景，而 Daniel 则是来自艺术背景。两极的差异又是如何在合作时保持不同领域元素的平衡？
在今天，街头服饰或潮流服饰的定义，与我和朋友们在上高中时的想法很不一样了。在那时候，潮流服饰代表了某个年轻人或某个团体的特定立场，代表了他们关于某个特定观念的独到理解。在某种意义上来说，潮流服饰在今天仍然是这样的，但是我认为尤其是在中国，年轻人将潮流服饰视作是一种个人表达形式。这是一种与在音乐、艺术、球鞋或时尚领域志同道合的人相认的方式。你穿着一件Kith的T恤在街上走的时候，看见对面走来的人也穿着一件Kith的T恤——你们马上就能彼此相认、理解。我认为这种意识是非常有趣的、有积极意义的。
你是否认为，YOHOOD及其他类似活动已经逐渐变成艺术家分享艺术作品的重要实体平台了？你是如何看待街头或潮流服饰与时尚及艺术产业的关系的？
艺术家进行时尚创作，自古有之。艺术家与街头或潮流品牌的因缘尤其悠久。Keith Haring在1980年代末就开始自行设计时装，Basquiat做过类似的创作。Futura在事业早期就做过服装品牌，最近又重拾旧业。我认为，去进行时尚创作意味着你能够为公众提供一种更为亲民的作品。我不可能为每个人创作独一无二的艺术作品，但是通过与Dior(迪奥)的合作，我能够向每个人传达信息、发声。
能否谈谈你合作建立的建筑工作室Snarkitecture？我们知道，你常与合作伙伴以Snarkitecture的名义进行合作创作项目。而你的个人工作室也与YOHOOD有合作，可以为我们介绍一下吗？
Snarkitecture是我在2007年建立的设计及建筑工作室，主要任务是去探索艺术与建筑领域的中间地带。艺术是有功用的，但是艺术的功用比较抽象，因此我想要通过Snarkitecture创造一种更接近建筑的具体艺术形式。我们在工作过程中与KITH、Jordan等品牌合作，发展了一种全新的建筑思维模式，并在许多不同领域中应用这种思维模式。
Dazed的创始人Jefferson Hack是我的多年好友，也一直支持我的创作。他协助我实现了许多创作项目，因此，当他告诉我他要把Dazed带来中国的时候，我马上表示感兴趣，开始与他一起合作。因此，我的工作室基本上承担了此次YOHOOD的空间策展人工作，协助将Dazed的元素整合进整个YOHOOD环境之中去。
是的，看到这里或许大家都已经猜到了，今年的 YOHOOD 是由Daniel Arsham 以及他的工作室团队亲自操刀主视觉及大会装置的设计，延续艺术家考古的理念，联合所有品牌、潮流资源一同发掘青年的新潮力量。
在这个联结最多，理解最少的时代，YOHOOD 2019 的主题Youthquake 又代表着什么？是不随波逐流、你觉得不被理解的事情、突然在这个时代可以被理解？还是就就像 Daniel 所说的以有趣的、积极的方式进行误用处理，并重新定义未来？
